LA MÚSICA DEL ROMANTICISMO

RIMANTICISMO

EL ROMANTICISMO MUSICAL

1.- INTRODUCCIÓN

Podemos decir que el inicio del Romanticismo aparece en las últimas obras de Beethoven (que murió en 1827), y se desarrolla a lo largo de todo el siglo XIX, extendiendo su influencia a algunos compositores del siglo XX.

El Romanticismo es una de las épocas más brillantes de la historia de la música ya que, por primera vez, la música adquiere la categoría de lenguaje privilegiado sobre el resto de las artes. Además, el movimiento romántico musical es el primero que alcanza pleno nivel en todos los países, habiendo grandes ejemplos de compositores en muchos lugares del mundo.

La música romántica es fruto de la nueva sociedad surgida después de la Revolución Francesa, que defiende la libertad del hombre por encima de todas las cosas. La música alcanzará en el Romanticismo una gran libertad formal y expresiva y se convertirá en la forma perfecta para expresar los sentimientos.

2.- CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ROMANTICISMO

1.- Se preocupa más por la expresión personal de los sentimientos que por la forma externa de las composiciones.

2.- La melodía se hace más intensa y expresiva, perdiendo el orden y la regularidad del Clasicismo.

3.- La música es más rica en armonías, ritmo y efectos de intensidad.

4.- La orquesta amplía mucho el número de componentes e introduce nuevos instrumentos de viento y percusión.

5.- Surgen muchas composiciones para instrumento solista (sobre todo el piano y el violín) que sirvan para que los instrumentistas puedan demostrar al público su virtuosismo.

3.- LA MÚSICA INSTRUMENTAL

A.- GRANDES FORMAS INSTRUMENTALES

Durante el Romanticismo continúan componiéndose formas instrumentales características del Clasicismo, como la Sinfonía y el Concierto para solista, aunque los compositores van liberando la estructura formal y aprovechando la riqueza de los timbres instrumentales y el virtuosismo de los intérpretes.

Entre los compositores más importantes de sinfonías destacan Schubert, Brahms, Mahler y Schumann y entre los de Conciertos solistas encontramos a Liszt, Chopin y Tchaikovsky.

Se considera a Franz Schubert uno de los primeros compositores románticos. A pesar de que murió muy joven, a los 31 años en 1828, su producción musical es muy extensa. Admiró mucho a Beethoven, quien falleció solo un año antes que él. Como anécdota te contaré que Schubert asistió al entierro de Beethoven, llegando a cargar su féretro.

Schubert, que nació en una población en los alrededores de Viena, desarrolló su carrera musical en esa ciudad, donde era habitual que realizara reuniones de amigos en las que se tocaba música y se conversaba sobre composiciones de Schubert y otros amigos. A estas reuniones se les llamaban Schubertiadas. (Desde el año 1976 Austria celebra cada año un festival de música clásica que se denomina de esa misma forma, celebrando conciertos de cámara, recitales para piano, etc. con músicos de muy alto nivel).

Te pongo una imagen de una Schubertiada en la que se puede ver al propio Schubert sentado al piano, ya que era éste el instrumento que él dominaba.

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Una de las sinfonías más conocidas de Schubert y del Romanticismo es la llamada Sinfonía inacabada (nº 8). Esta sinfonía fue compuesta en 1822, pero no fue descubierta hasta después de la muerte de Schubert. Se llama inacabada porque solo tiene dos movimientos, cuando habitualmente las sinfonías tienen cuatro. En realidad, no se sabe si Schubert tuvo intención de terminarla o quiso dejarla así. A pesar de su brevedad se considera uno de los mejores ejemplos de sinfonía del Romanticismo.

Te pongo para que escuches un poco por separado los dos movimientos:

Primer movimiento

Segundo movimiento

De entre los compositores de conciertos para solista destacan Liszt, Chopin y Tchaikovsky. Cualquier instrumento de la orquesta podía ya ser solista frente a la orquesta. Te pongo el ejemplo del concierto para piano y orquesta de Chopin. (dedicaremos más tarde alguna información a Chopin). Escucha al menos los 6 primeros minutos. Verás que primero suena la orquesta, presentando el tema musical que después continúa el piano. Te pongo un vídeo cuyo protagonista es uno de los mejores pianistas del último siglo, el polaco Arthur Rubinstein.

Además de la sinfonía y el concierto para solista, durante el Romanticismo se buscan formas más libres y abiertas, más adecuadas para la expresión romántica. Esto da lugar a la denominada música programática o música descriptiva que ya no se construye musicalmente por criterios de estructura o forma musical, sino por elementos extra musicales, por ejemplo, un poema, una novela, un sentimiento, etc.

Las formas más destacadas de música programática son:

La sinfonía programática: se desarrolla alrededor de un programa o argumento casi siempre literario. El creador de este tipo de obras fue Héctor Berlioz con su Sinfonía Fantástica, estrenada en 1830. Berlioz (1803-1869) fue un compositor francés amigo de los mejores escritores franceses de tu tiempo (Alejandro Dumas, Víctor Hugo y Balzac. La Sinfonía Fantástica es la consecuencia de su amor apasionado por una actriz británica. La obra se divide en cinco partes basadas en un programa literario y con un argumento muy detallado que la convierte en una descripción de sentimientos y acontecimientos.

En el siguiente vídeo puedes ver distintos fragmentos de las partes de esta sinfonía con la explicación literaria de los sentimientos que expresa cada uno de ellos.

 

  1. El poema sinfónico: es una composición orquestal en un solo movimiento basada en elementos poéticos o descriptivos. Este género fue creado por Liszt y fue utilizado por muchos compositores. El ejemplo que te pongo es del compositor ruso Modest Músorgski, considerado un innovador de la música rusa en el periodo romántico. Es autor de varios poemas sinfónicos entre los que destacan Una noche en el Monte Pelado, inspirado en un cuento ruso en el que un campesino presencia un aquelarre (un acto de brujería) en el Monte Pelado, cerca de Kiev, en la noche de San Juan (noche del 23 al 24 de junio). En ese día, el más largo del año, se celebran en todo el mundo numerosas celebraciones festivas. En España son habituales las hogueras de San Juan.

Te pongo este poema sinfónico en la versión que hizo Walt Disney para la película “Fantasía”, del año 1941. Las imágenes tratan de trasladarnos el contenido de la historia sobre la que se basa la música.

B.- PEQUEÑAS FORMAS INSTRUMENTALES

Además de estas formas instrumentales heredadas del Clasicismo, surgen durante el Romanticismo formas nuevas que se oponen a la grandiosidad de las anteriores. Intentan sobre todo expresar sentimientos, exaltar el virtuosismo y ser el mejor modo de expresión romántica.

El principal instrumento utilizado para esa expresión romántica es el piano, ya que los compositores del Romanticismo aprovechan las capacidades expresivas de este instrumento, creando pequeñas piezas de estructura sencilla y libre en las que dan rienda suelta a su fantasía. Los títulos de estas obras son muy variados y reflejan sentimientos variados.

Sentimientos intimistas Imaginación Temas y danzas populares
Nocturno

Balada

Preludio

Rapsodia Vals

Polonesa

Mazurca

Entre los compositores e intérpretes más destacados están Schubert, Liszt, Chopin y Schumann.

De entre todos ellos destacaremos la figura de Chopin, compositor y virtuoso del piano. Nació en Varsovia (Polonia) en 1810 y murió en París en1849.

El ejemplo que te pongo es un Preludio de Chopin titulado “La gota de lluvia”, porque tiene una nota muy repetitiva que suena como una gota de lluvia. Esta breve obra fue compuesta por Chopin en Mallorca, donde había viajado junto a la mujer con la que convivía, una novelista francesa que para poder publicar sus libros adoptó un nombre masculino, George Sand, e incluso muchas veces vestía como hombre.

SAND

Te pongo este vídeo de Jaime Altozano explicando algunas curiosidades sobre Chopin y esta obra “La gota de lluvia”. Altozano grabó este vídeo en los primeros días del confinamiento por Covid 19  (marzo 2020) y nos explica muchas curiosidades sobre la enfermedad de la que murió Chopin.

4.- PEQUEÑAS PIEZAS VOCALES DEL ROMANTICISMO

En el periodo romántico surgió en Alemania un tipo de canción breve escrita para voz y piano y texto poético denominada Lied. Tuvo mucha popularidad tanto en conciertos como en fiestas privadas. Normalmente suele adaptar su estructura al texto. Entre sus principales compositores están Schubert y Schumann.

Te pongo dos ejemplos de lieder (lied en plural), ambos de Schubert.

El primero de ellos es uno de los poemas de un ciclo de lieder titulado “La bella molinera”. Es un ciclo escrito sobre poemas del alemán Wilhelm Múller. El compositor utiliza como hilo conductor una historia completa en verso. Este lied que escucharás es el primero del ciclo. Se denomina “Das Wandern” (“El caminar”). Se caracteriza porque su estructura es estrófica, quiere decir que la música se repite igual en cada uno de los versos. Si te fijas en el piano es el que marca la marcha del caminar. Si intentas andar a la vez de la música es perfectamente posible.

Este segundo lied de Schubert se llama “Der Erlkönig” (“El rey de los elfos) y se basa en un poema del poeta y dramaturgo alemán Goethe. El texto de este lied describe la lucha de un padre por la vida de su hijo que es asediado por un ser sobrenatural que representa a la muerte.

5.- LA ÓPERA DURANTE EL ROMANTICISMO

Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución llegando a su momento más importante y convirtiéndose en el espectáculo favorito de la burguesía. Se construyen grandes teatros en las principales ciudades de Europa, los cantantes se convierten en personajes famosos y se crea un público fiel que permite formar de forma permanente orquestas y teatros de ópera.

Como curiosidad te diré que mientras hoy en una ciudad como Cádiz pueden programarse dos o tres óperas al año, a mediados del siglo XIX Cádiz tenía tres teatros, pudiéndose ver una representación de ópera cada día. Existía una gran afición en toda Europa por la ópera. Vamos a verla por países.

La ópera en Italia

Italia había sido la cuna de la ópera a principios del Barroco, y durante el Romanticismo marcará la evolución en el resto de Europa. Entre el Clasicismo y el Romanticismo destaca Gioachino Rossini que representa la transición entre la ópera de estas dos épocas. Rossini compuso numerosas óperas entre las que destacan Guillermo Tell y El Barbero de Sevilla.

Te pongo un fragmento de “El Barbero de Sevilla”, ópera bufa estrenada en 1816. Su éxito fue tan grande que fue una de las primeras óperas representadas en los Estados Unidos, en Nueva York en 1825. Escucharás el fragmento conocido como aria de Fígaro en la que Fígaro presume que es el barbero más famoso de Sevilla, lo que le ayuda a poder entrar en muchas casas y conocer a mucha gente.

En este enlace puedes ver esta aria en diversas versiones de dibujos animados:

https://youtu.be/y3RuZis4tJs

Después de Rossini la ópera italiana se dividió en dos estilos diferenciados:

  1. El bel canto: utiliza un estilo vocal muy expresivo y espectacular que tenía como objetivo la exhibición del cantante con melodías que exigían mucha técnica como cantante, sobre todo en los agudos. Uno de los principales representantes del bel canto fue el compositor Vincenzo Bellini, especialmente con su ópera Norma. Uno de las arias más famosas de la historia de la ópera pertenece a esta ópera. Se trata del aria “Casta diva”. En este fragmento de la ópera Norma, que es una sacerdotisa druida (un personaje de gran autoridad entre los antiguos pueblos celtas), realiza una invocación a la luna realizando una ofrenda con una rama de muérdago. Se trata de una de los papeles más difíciles de todo el repertorio operístico.

Este fragmento de Norma ha sido utilizado muchas veces en publicidad. Te pongo un ejemplo de un anuncio de perfume

  1. El verismo es una corriente de fines del siglo XIX que consiste en que los argumentos de las óperas se centrarán en personajes de la vida cotidiana, a menudo de clases bajas, reflejando sus emociones de forma muy realista. El principal representante de este estilo es Giacomo Puccini, autor de óperas como La Boheme, Tosca o Madame Butterfly.

Te voy a poner un ejemplo de Madame Butterfly ya que su particularidad es que la acción se desarrolla en Japón, un país muy exótico para los europeos de finales del siglo XIX y principios del XX. Esta ópera se estrenó en Milán en 1904. Un teniente de la marina americana llamado Pinkerton está destinado en Japón y trata de conocer a una mujer japonesa por lo que busca un casamentero quien le encuentra a una chica llamada Cio-Cio San (Madame Butterfly). Ella se enamora de Pinkerton, tiene un hijo con él, pero Pinkerton vuelve a los Estados Unidos y se casa. Cio-Cio San lo espera durante años y cuando ha pasado mucho tiempo él vuelve, pero casado con una americana, lo que provoca el suicidio de la japonesa.

Te pongo el aria más famosa de esta ópera:

Además de todo lo escrito hasta aquí sobre la ópera en el Romanticismo italiano, el más importante compositor de óperas en el siglo XIX italiano fue Giuseppe Verdi. En su larga vida (1813-1901) fue uno de los compositores más famososde su época. Sus óperas se estrenaban prácticamente en todos los lugares del mundo y aún hoy en día siguen siendo consideradas las más populares. Su éxito se basaba en construir melodías sencillas, fáciles de memorizar, y en la importancia que daba a los coros que formaban parte de la acción.

Pondré algunos ejemplos:

Coro de la ópera Il trovatore: en esta ópera un grupo de gitanos entran en la acción con sus actividades propias de la época: eran nómadas, iban de un lugar a otro, vivían en campamentos, se dedicaban al trabajo con metales, etc.

Coro “Va pensiero” de la ópera Nabucco. Este coro se convirtió en un himno patriótico italiano durante el periodo de la unificación italiana (el periodo político en el que todos los estados que componían la actual Italia se convirtieron en una sola nación). Los protagonistas de la ópera Nabucco son judíos y en este coro cantan sobre su liberación. Por eso los italianos lo utilizaron políticamente. Como curiosidad te contaré que el apellido de este compositor, Verdi, fue utilizado también como forma de gritar en las calles el nombre del nuevo rey que querían los italianos, Enmanuel. Por las calles se oían gritos de ¡Viva Verdi!, cuando en realidad el pueblo quería decir Viva Enmanuel Rey de Italia (la primera letra de cada palabra juntas dicen VERDI. El compositor estaba también muy comprometido políticamente con este grito de libertad del pueblo italiano.

Coro “Gloria al Egipto” y marcha triunfal de la ópera Aida. Esta ópera se ambienta en Egipto y le fue encargada a Verdi para conmemorar la inauguración del canal de Suez en 1869 (el canal de Suez es un canal navegable situado en Egipto que une el mar Mediterráneo con el mar Rojo. En su tiempo fue una enorme obra de ingeniería construida para facilitar el comercio entre Europa y Asia). La ópera fue estrenada en El Cairo en 1871.

Coro de La traviata, una fiesta nocturna celebrada en casa de Violetta, la protagonista de esta ópera. La historia es muy dramática ya que Violetta termina falleciendo de tuberculosis (la enfermedad que explica el vídeo de Chopin y la obra La gota de lluvia. Este coro del brindis es uno de los fragmentos de ópera más conocidos mundialmente. La traviata fue estrenada por Verdi en 1853.

La ópera en Francia

En Francia aparecerá un estilo de ópera cómica con argumentos humorísticos que incluye pasajes dialogados y danzas de modo. Estas óperas son generalmente de corta duración y se denominan operetas. Un ejemplo de opereta es Orfeo en los infiernos de Offenbach. Uno de los fragmentos más conocidos de esta opereta es el Can Can, un baile conocido como galop con el que termina la opereta.

En Francia en esta época destaca también la figura de Georges Bizet con su ópera Carmen, una historia basada en una novela de Prosper Merimé y estrenada en 1875. La historia se ambienta en la Sevilla de 1820, siendo su protagonista una cigarrera llamada Carmen que juega con el amor de un soldado llamado José y un torero conocido como Escamillo.

Te pongo algunas de sus partes más famosas:

La obertura

La presentación de Escamillo, conocida como “el toreador”

La habanera de Carmen

La ópera en Alemania

La gran figura de la ópera en Alemania durante el siglo XIX fue Richard Wagner, que partiendo de la tradición romántica, inició una reforma del género operístico que tuvo mucha importancia en la música posterior.

Wagner consideraba que la ópera era una “obra de arte total”, en la que se unían de forma inseparable todos los elementos (poesía, música, teatro, escenografía, etc.) La idea de Wagner era crear un drama musical continuo en el que las escenas se encadenaran sin distinción utilizando técnicas como el leitmotiv, un tema musical que representa a un personaje concreto, un objeto o una situación, y que va apareciendo a lo largo de toda la obra. El leitmotiv es utilizado actualmente en las películas (piensa por ejemplo en las melodías que acompañan a personajes como Superman o Indiana Jones y que aparecen siempre que el personaje aparece en escena en la película). Es decir, el leitmotiv en la ópera de Wagner continúa actualmente en el cine.

Wagner escribía los textos de sus óperas, inspirándose en la mitología germánica. Entre sus obras destaca un ciclo formado por cuatro óperas: El oro del Rhin, La Walkiria, Sigfrido y el Ocaso de los Dioses. También son muy importantes Tristán e Isolda y Parsifal.

Te pongo un fragmento de La Walkiria, el conocido como “La cabalgata de las Walkirias”.

6.- LOS NACIONALISMOS

A mediados del siglo XIX surge un movimiento en el que muchos compositores buscan acentuar la individualidad y autonomía musical y cultural de sus países de origen. Este movimiento es especialmente importante en países como España, Rusia, Hungría, Checoslovaquia, los países Escandinavos, etc., que buscarán investigar su historia y tradiciones para usar el folklore en las composiciones de música clásica. Esto se hará de dos formas:

  • Copiando literalmente las fuentes folklóricas, por ejemplo, introduciendo melodías tradicionales en sus composiciones
  • Imitando los rasgos característicos de cada región imitando ritmos o melodías que evoquen esa música tradicional.

De entre todos estos nacionalismos destacaremos los siguientes:

Rusia

Donde destacan compositores como Glinka, Borodin Musorgsky y Rimsky Korsakov.

De entre todos ellos te pongo para que conozcas de Musorgsky la obra Cuadros de una exposición, particularmente el fragmento titulado “La gran puerta de Kiev”

Noruega

Destaca sobre todo la figura del compositor Edvard Grieg, autor de obras como En la gruta del rey de la montaña y la suite Peer Gynt.

Te pongo de Peer Gynt el fragmento titulado “En la gruta del rey de la montaña”, que se caracteriza por ir cada vez más fuerte y más rápido (acelerando el tempo y crescendo, es decir, aumentando el volumen). Al tratarse de música programática, se basa en un texto literario. En este fragmento el protagonista de la historia Peer, trata de escaparse del castillo del rey de la montaña.

Finlandia

Su principal representante es Sibelius con su poema sinfónico titulado Finlandia en el que trata de explicarnos musicalmente cómo es su país.

Checoslovaquia

En Checoslovaquia destacan sobre todo dos compositores: Smetana y Dvorak.

Smetana es autor de un conjunto de poemas sinfónicos entre los que destaca el titulado El Moldava. El moldava es un río que atraviesa la República Checa y la obra de Smetana nos describe el río desde su nacimiento hasta su desembocadura.

Una de las piezas más conocidas de Dvorak es la Sinfonía del Nuevo Mundo, compuesta por Dvorak en 1893 mientras realizaba un viaje por los Estados Unidos.

7.- LA DANZA DURANTE EL ROMANTICISMO

  1. El ballet

El ballet evoluciona mucho durante el siglo XIX con las siguientes características:

  • Se refuerza la expresividad de la danza otorgando al cuerpo de baile un uso dramático y no solo su uso como acompañamiento.
  • Se impone el baile de puntas para reflejar movimientos más leves y armoniosos, estilizando la figura de las bailarinas.
  • Se generaliza el uso del tutú.
  • Se concede a la danza masculina la misma importancia que a la femenina.
  • Se inventaron pasos de baile.

El compositor de ballet más importante del siglo XIX fue Tchaikovsky compositor considerado como el músico más destacado de Rusia. Además de sus sinfonías y conciertos, produjo obras maestras del ballet como El lago de los cisnes, La Bella Durmiente y El Cascanueces.

Te pongo algunos ejemplos de sus fragmentos más conocidos:

De El lago de los cisnes te pongo primero el que se conoce como “paso a cuatro”

La entrada del cisne negro, acto 3

De El Cascanueces, primero te pongo “La danza del Hada de Azúcar”

“El vals de las flores”

“La danza china”

  1. La danza de salón: el vals

Con la decadencia de la aristocracia y sus danzas cortesanas, surgieron nuevas danzas de salón para la nueva sociedad burguesa.

La danza que tuvo más aceptación y popularidad durante el Romanticismo fue el Vals, sobre todo en la ciudad de Viena con una familia de compositores, los Strauss. El vals es una danza de ritmo ternario y movimiento rápido para bailar en parejas. Antes de iniciarse el ritmo ternario el vals tiene una introducción musical cuyo objetivo era buscar a la pareja de baile. Vemos aquí como la música responde siempre a los gustos y necesidades de cada época.

Uno de los valses más conocidos de la familia Strauss es El Danubio Azul.

En la actualidad esta música se interpreta cada año en el concierto de Año Nuevo, que se retransmite por televisión a todo el mundo desde la Sala Dorada de la Musikverein de Viena. Este concierto suele terminar casi siempre con El Danubio Azul y con la Marcha Radetzky, normalmente acompañada por el público con aplausos. En el siguiente enlace puedes ver la Marcha Radetzky en el concierto de Año nuevo de 1 de enero de 2020.

https://youtu.be/4jdLpt5JFbY

8.- EL ROMANTICISMO EN ESPAÑA

España también vivió los profundos cambios del siglo XIX, manifestándose sobre todo en el fin del aislamiento cultural que había estado viviendo.

Los compositores españoles trabajaron sobre todo la música de salón y la zarzuela, alejándose en su mayoría de la música sinfónica. Se centraron sobre todo en la música para instrumento solista. Entre ellos podemos destacar:

  • A Francisco Tárrega, extraordinario virtuoso de la guitarra y responsable de que este instrumento tuviera importancia internacional. Una de sus composiciones más destacadas es Recuerdos de la Alhambra

  • En el piano destacaron dos grandes compositores que compusieron obras de tipo nacionalista: Granados y Albéniz. Te pongo de Albéniz la pieza titulada Sevilla

  • En el violín destaca la figura de Pablo Sarasate que se convirtió en un intérprete de talla internacional. Entre sus composiciones encontramos su Zapateado, una composición virtuosística. Te pongo una versión de esta obra interpretada por el violinista Ara Malikian, un violinista armenio de origen libanés que después de años de muchas dificultades por vivir en zona de guerra, estudió en Alemania y lleva algunos años viviendo en España, desde donde viaja a muchos lugares del mundo para dar conciertos espectaculares.

Intentando combatir el predominio de la ópera italiana, los compositores españoles recuperaron la zarzuela estableciendo las características definitivas del género:

  • Números musicales intercalados entre los diálogos
  • Argumentos basados en la vida cotidiana de marcado carácter español.
  • División entre dos tipos de zarzuela:
    • Zarzuela grande: en tres actos, con uso frecuente del coro, larga duración y más canto que voz hablada.
    • Género chico: debido a la dificultad económica de producir zarzuelas grandes se hicieron zarzuelas más sencillas, cortas (un solo acto), menos personajes y predominio de la voz hablada sobre el canto. Algún ejemplo de este género chico es La verbena de la Paloma de Ruperto Chapí:

9.- EL NACIONALISMO ESPAÑOL

Aunque surge un poco más tarde que en el resto de Europa, el nacionalismo español es muy importante. Los compositores buscan en las fuentes de la música popular y las raíces de la tradición musical española, especialmente de la andaluza.

Compositores ya mencionados como Albéniz o Granados aplicaron esa tradición española en sus obras para piano o sus sinfonías, aunque fue Manuel de Falla quien desarrolló esta influencia más ampliamente.

Manuel de Falla nació en Cádiz en 1876 y vivió en dicha ciudad hasta los 20 años, cuando se marchó a estudiar a Madrid y posteriormente a París. Durante algunos años vivió en Granada, donde estaba cuando estalló en 1936 la Guerra Civil española. Esta circunstancia junto con la muerte de muchos amigos como Federico García Lorca provocó que Falla se marchara de España, refugiándose en Argentina, donde falleció en 1946. Su cuerpo fue trasladado a España y enterrado en la cripta de la Catedral de Cádiz. Sin embargo, es Granada la que conserva la mayoría de sus documentos, fotos y recuerdos en un Museo y Archivo.

De Falla sabemos que era un gran amante del flamenco y que conocía mucho de la música popular gracias a una señora que lo cuidaba de niño a la que llamaban “La morilla” y que procedía de un pueblo de la sierra de Cádiz.

Entre sus obras podemos destacar algunas de marcado carácter español:

De El amor brujo te pongo “La canción del Fuego Fatuo”. El amor brujo es un ballet con cante jondo que Falla estrenó en Madrid en 1915. En esta ocasión la canción que forma parte del ballet es interpretada por Estrella Morente, una de las mejores cantaoras flamencas del momento.

El retablo de maese Pedro es una obra musical para títeres que Falla compuso inspirándose en un episodio del Quijote. La obra fue estrenada en el palacio de la princesa de Polignac, quien se la había encargado a Falla, en París en 1923. El original se representaba únicamente con la orquesta y los títeres. En la versión que te pongo podrás ver títeres y personajes reales

Noche en los jardines de España es un conjunto de nocturnos para piano y orquesta entrenadas en 1915. Te pongo el primero de ellos titulado “En el Generalife. Palacio de la Alhambra”, con imágenes de dicho jardín que se encuentra en un lateral de la Alhambra de Granada. Los años que Falla estuvo en Granada vivió en una casa al lado de estos jardines, con vistas a la Alhambra.

Foto de Manuel de Falla en su casa de Granada (balcón hacia el jardín). 1930

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Manuel de Falla con Federico García Lorca (y otros personajes de la época) en los sótanos de la Alhambra (1923)

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